기대 그 이상의 마법: ILM의 협업 정신이 '위키드'의 세계를 스크린에 구현한 과정 - ILM 기사 전문

 

* 오역과 의역에 양해 바랍니다. 내용이 많으니 여유있게 보시고, 제작과정을 설명하는 내용 특성상 일부 내용과 장면 디테일에 관한 스포가 포함될 수 있으니 참고 바랍니다.

 

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20년 넘게 위키드는 오즈의 마법사 (1939)의 숨겨진 이야기를 무대에서 펼쳐 보이며 관객을 사로잡아 왔다. 이 마법을 스크린으로 옮기는 작업은 브로드웨이의 원작을 존중하는 동시에 그 한계를 뛰어넘는 장대한 스펙터클을 요구했다.

이러한 변화를 이끌어낸 주요 협력자 중 한 명이 바로 인더스트리얼 라이트 & 매직(ILM)의 시각효과 총괄 슈퍼바이저 파블로 헬만이었다. 최근 ILM.com과의 인터뷰에서 헬만은 이 연극적 명작을 영화로 각색하는 과정에서의 도전과 성취에 대해 이야기했다. 그는 실사 기법과 최첨단 시각효과를 매끄럽게 결합해 매혹적인 영화적 경험을 창조하는 데 중추적인 역할을 했다.

 

제이미 베닝 저

 

 

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The Musical Challenge

 

헬만은 위키드 (2024) 작업이 스타워즈  프리퀄(1999-2005), 아이리시맨 (2019), 파벨만스 (2022)에서의 경험과는 완전히 다른 도전이었다고 인정한다. 그는 ILM.com과의 인터뷰에서 이렇게 말했다.

 

“지난 30년 동안 제 일이 이미지에서 시작해서 이미지로 끝난다고 생각했던 건 무지한 생각이었어요. 보통 음악은 후반 작업에서 추가되는 요소죠. 그런데 이 영화에서는 미리 녹음된 음악뿐만 아니라 라이브로 노래하는 장면도 많았어요. 배우들이 노래를 부르는 동안 서로 영향을 주고받으며 감정이 변하고, 그 변화가 새로운 반응을 이끌어내죠. 그리고 그 모든 과정이 불과 몇 피트 앞에서 펼쳐지며 음악과 함께 흐르고 있어요. 그것이 시각효과 접근 방식에도 영향을 주었고, 결과적으로 모든 것이 달라졌어요.”

 

그러나 이러한 효과를 어떻게 통합할지 이해하려면, 먼저 감독 존 M. 추의 비전을 파악하는 것이 필수적이었다.

 

 

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Getting into Jon M. Chu’s Head

존 M.추 감독의 머릿속으로 들어가다

 

헬만은 감독과 협업할 때 철저한 준비로 유명하며, 위키드에서 존 M. 추와의 작업도 예외는 아니었다. 그는 이렇게 말한다.

“제 일은 감독의 머릿속으로 들어가는 것이죠. 처음 그와 면접을 볼 때, 우리가 얼마나 잘 맞을지 확인하기 위해 저는 그의 연출 스타일을 철저히 연구했어요. 그는 카메라를 어떻게 활용하는지, 카메라 움직임, 조명, 시퀀스 구성, 편집 방식까지 모두 분석했죠. 결국 우리는 같은 언어를 공유하게 됐어요. 사실 약간 반칙을 쓴 셈이죠. 그의 작업 방식을 이해하는 것을 제 업무로 삼았거든요.”

헬만은 또한 추 감독의 방식이 독창적이라고 설명한다.

“그는 영화에 대한 굉장한 비전을 가지고 있으면서도, 촬영이 진행되는 동안 영화가 자연스럽게 자신에게 다가오도록 열려 있어요. 때때로 예상치 못한 방식으로 영화가 발전하거나, 특정 장면이 예상과 다르게 흘러가더라도 ‘이렇게 생각해 본 적 없는데, 이거 멋진데? 우리에겐 선택지가 생겼어’라고 말하는 스타일이죠.”

헬만은 덧붙인다.

“재미있는 점은 프로젝트가 끝나고 나면, 그 감독의 연출 방식 중 일부가 제 안에 남아서 하나의 도구 세트처럼 작용한다는 거예요. 가끔씩 그걸 꺼내서 새로운 작업에 활용하곤 하죠. 감독마다 스토리텔링을 이해하는 방식이 다르거든요.”

 

많은 감독이 프리비주얼라이제이션(pre-vis, 사전 시각화)에 의존하는 반면, 추 감독은 보다 즉흥적이고 유기적인 접근 방식을 선호한다. 헬만은 이렇게 말한다.

“그는 다른 감독들처럼 프리비즈를 사용하지 않아요. 우리는 장면을 위한 세트 모델을 두고 각 부서 수장들과 함께 테이블에 앉아요. 촬영감독 앨리스 브룩스, 편집자 마이론 커스타인, 프로덕션 디자이너 네이선 크롤리, 특수효과 감독 폴 코볼드, 스턴트 코디네이터 조 맥라렌이 함께하죠. 그리고 추 감독이 작은 막대에 엘파바와 다른 캐릭터들을 붙여서 직접 장면을 연출해 보여줘요. 음악이 있을 땐, 휴대폰에서 음악을 틀고 배우들의 동선을 안무가 크리스 스콧과 함께 직접 시연하죠. 우리는 그 과정을 촬영한 후, 각자 돌아가서 어떻게 하면 그의 비전을 실현할 수 있을지 고민해요.”

헬만은 위키드가 추 감독과의 첫 작업이었기 때문에 초반에는 주로 경청했다고 덧붙인다.

“존과 앨리스, 마이론은 학창 시절부터 함께하며 오랜 시간 함께 작업해왔어요. 저는 나중에 합류한 입장이었기 때문에 ‘이 사람들이 나를 받아들일까?’라는 생각이 들었죠. 그런데 그들은 저를 기꺼이 맞아줬고, 그 덕분에 아주 멋진 경험을 할 수 있었습니다.”

 

 

 

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Building Oz: The Role of Practical Sets and the Practicalities of Shooting a Musical

오즈 만들기: 실용적인 세트와 뮤지컬 촬영의 실제

 

네이선 크롤리가 설계한 정교한 실물 세트는 위키드의 환상적인 세계를 현실적으로 구현하는 데 중요한 역할을 했다.

헬만은 이러한 세트가 배우들과 시각효과팀 모두에게 어떤 도움을 주었는지 회상한다.

“우리는 가능한 한 진실에 가까이 다가가야 합니다.

예, 실제로 900만 송이의 튤립을 심었지만, 그것들은 세트에서 100마일 떨어진 곳에 심어졌어요.

하지만 실질적인 이점이 있습니다.”

그는 실물 요소와 디지털 요소를 결합하는 과정에 대해 자세히 설명한다.

“영화 초반, 아이들이 튤립밭을 가로질러 먼치킨랜드를 향해 달려가는 장면이 있습니다. 이때 매트 라인은 아이들 주위에만 설정되어 있어요. 그 이후는 모두 시각효과로 만들어졌죠. 그렇다면 실물이 유용했냐고요? 물론이죠. 배우들에게 실제 환경이 제공됐으니까요. 하지만 조명을 변경하고, 태양을 추가하고, 포스트 프로덕션에서 튤립을 완성했습니다. 최종적인 비주얼은 협업의 결과물이에요.”

보리밭 장면도 도전 과제였다.

“실제 보리를 심었지만, 첫 번째 테이크에서는 너무 빽빽해서 달릴 수가 없었어요.

결국 보리를 다듬고, 이후 모든 것을 디지털로 대체해 일관된 시각적 효과를 유지해야 했죠.”

헬만은 제작 규모가 방대했던 만큼, 영화의 거의 모든 장면에서 시각효과가 사용되었다고 설명한다.

“이 영화에는 2,200개의 시각효과 샷이 있습니다. 즉, 모든 장면이 시각효과가 들어간 샷이라는 뜻이에요. 게다가 이 영화는 뮤지컬이라, 모든 배우들이 정말 큰 이어피스를 착용하고 있었고, 이를 3D로 교체해야 했어요. 배우들 가슴에 붙어 있던 마이크도 마찬가지였죠.”

세트 규모는 실물 요소와 디지털 효과가 결합되는 방식을 결정하는 중요한 요소였다.

“실내 세트는 25피트(7.6M)까지, 실외 세트는 55피트(16.7M)까지 올라갑니다. 그 이후부터는 우리가 시각효과로 마무리하는 거죠. 특수효과도 굉장히 중요했어요. 폴 코볼드와 그의 팀이 거대한 기차를 제작했지만, 기어(톱니바퀴)는 움직이지 않았어요. 그래서 우리가 개입해야 했죠. 기차 아래쪽의 기어는 모두 시각효과로 구현되었습니다. 기차 내부 역시 일부만 세트로 제작되었고, 나머지는 디지털로 채워야 했어요.”

그는 이어서 말한다.

“또 기차는 표면이 굉장히 반사율이 높은 소재였어요. 그래서 카메라가 기차를 따라가면 조명과 주변 환경이 모두 반사되는 문제가 생겼죠. 이런 요소들을 다시 만들어내고, 불필요한 반사를 제거해야 했습니다. 결국 현실과 비현실이 결합된 결과물이죠. 중요한 것은, 우리 모두가 하나의 착각을 만들어낸다는 사실이에요. 각자가 조금씩 기여한 후, 포스트 프로덕션 단계에서 모든 것을 결합하여 완성하는 것이죠.”

 

 

 

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Striving for Authenticity: Cynthia Erivo’s Green Transformation

진정성을 향한 노력: 신시아 에리보의 초록 변신

 

헬만과 그의 팀은 엘파바의 독특한 녹색 피부를 구현하기 위해 다양한 접근 방식을 실험하며 최적의 방법을 찾기 위해 여러 테스트를 거쳤다.

 

“네, 정말 많은 테스트를 진행했어요.” 헬만이 회상한다.

“그린 메이크업을 사용했을 때 어떻게 보이는지, 메이크업 없이 촬영했을 때는 어떤 차이가 있는지 등 여러 가지 실험을 했죠. 결국 우리가 해야 할 일은, 메이크업만으로 해결되지 않는 부분을 보완하는 것이었습니다.”

최종 결정은 배우 신시아 에리보가 직접 내렸다.

“신시아가 ‘나는 반드시 녹색이어야 해요. 그 캐릭터가 되려면 그렇게 해야 한다고 생각해요.’라고 말했어요. 그리고 분장을 위해 매일 세 시간씩 의자에 앉아 있어야 한다는 걸 알면서도, 캐릭터에 몰입하기 위해 그 과정을 감수했죠. 그게 정말 큰 차이를 만들었다고 생각해요.”

실제 메이크업을 사용했음에도 불구하고, 시각효과 팀은 영화 전반에 걸쳐 이를 정교하게 보완하는 중요한 역할을 했다.

“모든 장면에 여전히 시각효과가 들어갔어요. 촬영이 길어지면서 메이크업이 피부에 부담을 주기도 했고, 심지어 콘택트렌즈 문제도 있었죠. 신시아가 콘택트렌즈를 착용했는데, 아이리시맨 같은 이전 경험에서 배운 바에 따르면, 일정 시간이 지나면 렌즈가 움직이기 시작하고 배우가 사시처럼 보일 수도 있어요. 그래서 우리는 그런 요소들도 세심하게 보정해야 했습니다.”

또한, 일관성을 유지하기 위해 디지털 보정이 필요했다.

“메이크업은 입술 중간까지만 칠해졌고, 입 안쪽까지는 바르지 않았어요.

이유는 당연하죠. 그래서 모든 장면에서 이를 조정해야 했습니다.”

헬만이 덧붙였다.

 

 

 

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Flying Monkeys and Magical Transformations

날으는 원숭이들과 마법의 변신

 

위키드에서 시각적으로 가장 인상적인 장면 중 하나는 날아다니는 원숭이들의 변신 장면이다.

헬만은 이 장면이 도전적이면서도 보람찬 작업이었다고 설명한다.

“거의 호러 장면에 가깝습니다. 원숭이들은 고통스러워하고, 등에 날개가 찢고 나오죠. 그 자체가 부자연스럽기 때문에 공포감을 더해줍니다. 우리는 깃털이 날아다니는 효과를 추가해 장면에 분위기와 깊이를 더했어요. 하지만 이 공포감을 어느 정도 완화할 필요가 있었습니다. 너무 과하게 표현한 경우도 있었고, 반대로 충분히 표현되지 않은 경우도 있었어요. 결국, 팀원들이 함께 조율하며 적절한 균형을 찾았습니다.”

헬만은 시각효과에서 스토리텔링이 얼마나 중요한지를 강조한다.

“이 원숭이들은 단 네 개의 샷 안에서 날아가야 해요. 그렇다면 어떻게 하면 이 짧은 시간 안에 그들의 이야기를 효과적으로 전달할 수 있을까요? 날개가 생기고, 그것을 시도해보고, 그리고 성공하거나 실패하는 과정이 있어야 합니다. 이런 모든 요소가 스토리텔링이죠. 그것이 우리가 시각효과를 통해 하는 일입니다. 데이비드 셔크가 이끄는 애니메이션 팀이 정말 훌륭한 작업을 해냈어요.”

 

 

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Grounded Magic

지속 가능한 마법

 

마법은 위키드의 핵심 요소이며, 헬만의 팀은 이를 시각적으로 표현할 때 의도적으로 절제된 접근 방식을 취했다.

특히 그리머리(Grimmerie) 마법서의 표현에는 독특한 도전 과제가 있었다.

“촬영 당시에는 이 부분이 제대로 구상되지 않은 상태였어요. 대부분의 경우, 신시아(엘파바 역)는 파란색 사각형 앞에서 정해진 동작을 수행하는 식이었죠. 하지만 최종적으로는 글자가 황금빛으로 빛나고, 페이지가 스스로 움직이도록 만들었습니다. 현실적이고 손에 잡힐 듯한 느낌을 주되, 과장되지는 않도록 했죠. 우리가 원했던 건 그런 전형적인 판타지적 표현이 아니었어요. 이미 여러 작품에서 많이 활용된 방식이니까요. 설령 시각효과를 사용하더라도, 마치 실제 존재하는 것처럼 보이게 하는 것이 중요했습니다.”

이 장면에서 엘파바의 미숙한 주문 시전 또한 그녀의 캐릭터를 더욱 입체적으로 만든다.

“그녀는 경험이 부족해서 주문을 잘 못 외웁니다. 주문을 외칠 때마다 무언가 나쁜 일이 벌어지죠. 이런 점이 관객들에게 더 공감을 불러일으킬 수 있습니다. 마법조차도 완벽하지 않으며, 삶과 마찬가지로 실수를 통해 배우는 과정이니까요.”

 

 

 

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Defying Gravity: A Pivotal Sequence

핵심 시퀀스 : 중력을 거스르며

 

Defying Gravity 장면은 두 편의 영화를 연결하는 핵심 시퀀스로, 실사 스턴트와 디지털 효과의 완벽한 조화가 요구되었다.

"신시아(엘파바 역)는 와이어와 복잡한 리깅 시스템을 활용한 공중 연기를 포함해 많은 스턴트를 직접 소화했습니다."

헬만이 설명한다.

"우리는 이미 수많은 영화에서 사람들이 하늘을 나는 장면을 봐왔죠. 단순히 배우를 와이어에 매달아 ‘이제 오른쪽으로 이동하세요, 왼쪽으로 가세요’라고 지시할 수도 있습니다. 하지만 그런 방식은 효과적이지 않아요. 신시아는 블루스크린 세트에서 200피트 상공을 날아다니며 실제로 노래를 불렀습니다! 그녀는 여러 방향에서 작용하는 힘에 저항하며 균형을 잡으려고 노력했고, 그 과정이 화면에서도 생생하게 전달됩니다. 바로 이런 점이 우리가 하는 시각효과 작업을 더욱 현실적으로 만드는 요소입니다.”

헬만은 또한 엘파바의 감정적 변화를 빛과 상징을 활용해 표현한 최종 장면을 강조했다.

“장면은 어둠 속 아래에서 시작해 점점 빛을 향해 나아가고, 마침내 발코니로 나와 태양을 마주하는 구도로 전개됩니다. 이후 영화가 끝나갈 무렵, 태양이 점점 내려오죠. 뮤지컬을 본 사람이라면 1막이 끝날 때 망토가 점점 커지는 연출을 기억할 겁니다. 이를 영화에서 어떻게 구현할 것인가? 그대로 옮겨야 할까? 혹시 우스꽝스럽게 보이진 않을까?

 

결국 망토는 시각효과로 처리되었습니다. 와이어 때문에 실제 망토를 사용할 수 없었거든요. 이 장면 전체가 점점 그림처럼 연출되죠. 그리고 마침내 마지막 컷에서 모든 것이 영적이고 성스러운 분위기로 변합니다. 구름은 르네상스 시대 이탈리아 회화에서 볼 법한 형태로 표현되었고, 태양 뒤로 부드러운 빛과 그림자가 드리워집니다. 그러다 문득, ‘어라? 망토가 엄청 커졌잖아?’라는 생각이 들게 되죠.

 

이게 그녀의 내면을 비춘 장면일까요? 아니면 실제로 벌어진 일일까요? 아마 후자는 아닐 겁니다. 그 순간, 엘파바는 전쟁의 함성을 지르고, 카메라는 뒤로 빠지면서 영화가 끝날 것 같은 분위기를 조성하죠. 하지만 그녀가 다시 몸을 돌려 날아가면서, 관객들은 ‘잠깐, 어디 가는 거야?’라고 생각하게 됩니다. 그렇게 영화는 끝나고, 다음 편을 기대하게 만드는 것이죠. 하지만 이런 연출들은 우연이 아닙니다. 모든 요소가 치밀하게 설계된 구조적 스토리텔링의 일부이며, 관객의 기대를 쌓아가는 과정이죠.”

 

 

 

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The Collaborative Spirit

협력의 정신

 

Wicked의 규모는 방대했으며, 5개 국가에 걸쳐 1,000명 이상의 시각 효과 아티스트가 참여했습니다. 샌프란시스코와 시드니의 ILM뿐만 아니라 Framestore, OPSIS, Lola, Outpost, TPO 팀도 함께 작업했습니다. 헬만은 영화의 야심 찬 시각 효과를 완성하기 위한 팀워크에 대해 빠르게 공을 돌립니다.

“우리는 이 영화를 만들기 위해 3년 동안 함께 작업했어요. 그래서 정말 감사하게 생각합니다. Robert Weaver와 Anthony Smith는 ILM의 시각 효과 감독이었고, David Shirk는 애니메이션 감독이었습니다. 정말 훌륭한 협업이었고, 많은 즐거운 시간이었어요.”

헬만은 창작의 도전에 대해 철학적인 자세를 보입니다.

“촬영 현장에서는 때때로 의견 충돌이나 다툼이 생기기도 합니다. 혹은 Jon이 말하는 ‘제안’들이죠.

때로는 ‘이 해결책을 제안합니다, 이 길로 갈 수도 있고, 다른 길로 갈 수도 있습니다’라고 말하죠.”

이러한 협력은 Wicked와 같은 도전적인 작품에서 필수적이었습니다.

“총 2,200개의 시각 효과 샷이 있지만, 모든 부서가 Wicked의 세계를 믿을 수 있게 만드는 역할을 했어요.”

헬만은 이렇게 설명합니다.

 

그는 Nathan Crowley, Alice Brooks, Paul Corbould, 그리고 나머지 팀과의 긴밀한 협업의 중요성을 강조합니다.

“Alice, Jon, 그리고 저는 이 부분에 대해 많이 이야기했어요.”

헬만은 설명하면서, 시각 효과가 촬영과 어떻게 결합되었는지에 대해 이야기합니다.

“조명이 세트에 있었지만, 우리는 그것들을 제거했습니다. 1950년대에 촬영된 영화를 보면 특정한 느낌이 있는데, 그 느낌을 카메라 뒤에서 어떻게 만들어내느냐가 중요합니다. 하지만 이제는 달라졌죠. 원하는 곳에 조명을 배치할 수 있어요. 그리고 조심스럽게 다루면, 그것들을 제거할 때 불합리한 조명이라는 건 존재하지 않아요.”

시각 효과가 촬영을 지배하기보다는 보완하도록 보장함으로써, 팀은 실사와 디지털 요소가 완벽하게 결합된 장면을 만들어낼 수 있었습니다.

 

 

 

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A Lesson in Artistry

예술성에 대한 교훈

 

헬만에게 Wicked은 "시각 효과는 무엇이든 방해해서는 안 된다"는 그의 철학을 재확인시켜주었습니다.

"감독이 무엇을 하길 원하고, 카메라를 어디에 두고 싶어 하든, 그게 바로 우리가 해야 할 일입니다.

그 이야기를 촉진하는 것이죠."

155일에 걸친 고된 촬영은 두 파트로 나누어 촬영되었고, 출연진과 제작진을 한계까지 밀어붙였습니다.

헬만은 이렇게 긴 제작 과정이 가져오는 영향을 인정합니다.

"70일이 지나면, 다들 지쳐요. 팔꿈치를 내밀며 ‘비켜! 왜 나를 그렇게 쳐다봐?’ 이런 일들이 일어나죠. 하지만 피로 속에서도 공유된 비전은 팀을 계속해서 앞으로 나아가게 했습니다. 긴 프로젝트이지만, 그게 좋은 점도 있어요. 다른 일에 대해 걱정하지 않고, 눈앞에 있는 것에만 집중할 수 있기 때문이죠."

관객들의 반응은 작업의 목적을 다시 한 번 확인하는 계기가 되었습니다.

"이 영화는 내가 관객들의 반응을 듣기 위해 극장에 가야 했던 그런 작품이에요. 보통은 그렇게 하지 않는데, 이번에는 갔고, 그 경험이 왜 우리가 하는 일을 하는지 상기시켜줬어요. 예술을 만들어서 나누는 것이죠."

그 경험을 돌아보며 헬만은 그 일을 가능하게 만든 사람들에 대해 감사함을 표합니다.

"훌륭한 프로젝트, 훌륭한 사람들, 혹은 훌륭한 재정적 만족—운이 좋다면 세 가지 중 두 가지를 얻을 수 있습니다.

하지만 가장 보람 있는 부분은 협업입니다. 결국, 그건 당신이 함께 일하는 사람들에 관한 거죠."

 

Wicked가 전 세계 관객들을 매료시키는 가운데, Industrial Light & Magic의 예술성은 협력과 혁신이 스토리텔링에 미치는 힘을 증명하는 표본으로 남습니다.

 

 

 

 

https://www.ilm.com/wicked-pablo-helman-ilm-interview/