20년이 지난 지금, 봉준호가 데이비드 핀처의 범죄 스릴러 걸작을 집요하게 파헤친다 - 콜라이더 인터뷰 전문

 

 

봉준호가 데이비드 핀처와 함께 2007년 영화 ‘조디악’에 대해 이야기하며, 집착을 그린 시대를 초월한 묘사와 바꾸고 싶은 점, 그리고 그 작품이 남긴 영향에 대해 논한다.

 

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요약

- 감독의 영감: 봉준호는 현재 로스앤젤레스 아카데미 박물관에서 100점 이상의 오리지널 소품과 함께 전시 중이다.

- 이를 기념해 봉준호와 데이비드 핀처는 ‘조디악’ 4K 상영에 앞서 Q&A를 진행했다.

- 아래에서 두 감독의 전체 대화를 확인할 수 있다!

 

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2026년 3월, 아카데미 수상 감독 봉준호를 전적으로 조명한 최초의 전시 ‘디렉터스 인스퍼레이션: 봉준호’가 로스앤젤레스 아카데미 영화 박물관에서 개막했다. 이 전시는 스토리보드, 조사 자료, 영화 포스터, 콘셉트 아트, 크리처 모델, 소품, 촬영 현장 사진 등 “100점이 넘는 오리지널 자료”를 전례 없이 공개하며, 2027년 1월 10일까지 진행된다.

 

이 영광을 기념하고 4월 11일 ‘미키 17’ 관련 신규 전시물이 추가된 것을 맞아, 봉준호 감독은 ‘조디악’ 특별 상영을 개최했고 데이비드 핀처 감독을 초청했다. 이어진 훌륭한 Q&A에서 봉준호 감독은 ‘조디악’ 제작 과정과 주요 연출 결정의 이유에 대해 수많은 질문을 던졌다. 그는 영화의 본질적인 주제, 색감, 핀처가 많은 테이크를 찍는 이유, 그리고 집착이라는 성향까지 깊이 파고들었다. 또한 브래드 피트가 출연하는 ‘원스 어폰 어 타임 인 할리우드’ 속편에서 “아주 큰 놀라움”이 있을 것이라고 살짝 예고했다.

 

이 두 뛰어난 감독과 ‘조디악’을 좋아하는 팬이라면, Collider의 스티브 와인트라웁이 기록한 아래 대화를 반드시 즐길 수 있을 것이다.

 

 

참고: 봉준호는 이 패널에서 영어와 한국어를 함께 사용했다. 일부 답변은 통역을 통해 전달되었다.

 

 

20년이 지난 지금도 ‘조디악’은 여전히 날카로운 긴장감을 유지하고 있다.

핀처는 시대 재현 과정과 ‘조디악’이 진정으로 무엇을 이야기하는지에 대해 설명한다.

 

 

봉준호: 저에게도 이렇게 큰 스크린으로 ‘조디악’을 보는 건 처음입니다. DVD와 블루레이로는 여러 번 봤지만, 4K로 보게 되어 정말 기대됩니다. 오늘 본인은 영화를 안 보신다고 들었어요.

 

데이비드 핀처: 이미 봤습니다.

 

봉준호: 본인 영화는 다시 보는 걸 좋아하지 않는다고 들었습니다.

 

핀처: 네. 고등학교 시절 제 사진을 다시 보는 것도 싫은 것과 같아요.

 

봉준호: 개인적으로 예전에 한 번 뵌 적이 있습니다. 5~6년 전쯤 사무실에서였는데, 정말 깔끔하고 정리정돈이 완벽했어요. 색연필도 색깔별로 정확히 정리되어 있었고요. 뭔가 하나라도 건드리면 안 될 것 같아서 긴장됐습니다. 사람들이 감독님을 굉장히 집착적인 사람으로 생각하는데, 그런 인식이 싫으신가요? 혹은 반박하고 싶은 마음이 있으신가요?

 

핀처: 아니요. 저는 단지 전달하고자 하는 것을 최대한 명확하게 표현하기 위해 할 수 있는 모든 걸 해야 한다고 생각합니다.

그게 늦게까지 남는 것이든, 추가 회의를 하는 것이든, 대문자로 메시지를 보내는 것이든, 필요하다면 해야죠.

 

봉준호: ‘조디악’을 보면 장면 하나하나가 정말 날카롭게 잘려 있는 느낌입니다. 단 1밀리도 어긋나지 않은 것처럼 보이는데, 특히 이 영화에서 그런 점이 두드러집니다.

 

핀처: 저는 그렇게까지 느끼진 않았지만, 2시간 45분짜리 영화를 보고 나서 “여기서 2분은 줄일 수 있겠다”는 생각이 안 든다면, 그걸로 충분하다고 봅니다.

 

봉준호: 이 영화는 연쇄살인범 이야기이고, 형사들도 등장합니다. ‘세븐’에는 큰 액션 시퀀스가 있었지만, ‘조디악’은 매우 조용하고 차분한 영화입니다.

 

핀처: 그게 의도였습니다. 우리는 연쇄살인범에 대한 영화를 만든 게 아니라, 그 범죄가 공동체와 사람들의 삶에 미치는 영향에 대한 영화를 만들고자 했습니다. 어떤 사람들은 굳이 관심을 가질 필요가 없었을 수도 있고, 어떤 사람들은 시간이 지나면서 관심이 식어갔죠. ‘세븐’이 철저히 적대자의 범행에 초점이 맞춰져 있다면, ‘조디악’은 훨씬 더 절망이 쌓여가는 과정, 그리고 이런 여정의 끝에서 자신이 찾고자 하는 것을 결국 찾지 못할 수도 있다는 그 무력감에 관한 이야기입니다.

 

 

 

 

봉준호: 이 영화 전반에 흐르는 공포와 슬픔의 감정은 마치 비를 맞듯이 관객을 적시는 느낌입니다. 그리고 제이크 질렌할이나 마크 러팔로 같은 배우들의 내레이션도 굉장히 차분하죠. 영화에서 그들은 거의 소리를 지르지 않고 조용히 말합니다. 감독님과는 다르게요.

 

핀처: 그런 점은 인식하지 못했네요.

 

봉준호: 감독님 목소리 정말 좋아합니다.

 

핀처: 저는 기자였던 사람과 함께 자랐습니다. 그분은 라이프 매거진에서 일하셨고, 저는 그런 환경을 직접 봐왔죠. 특히 그 시대의 분위기는 굉장히 독특했습니다. 샌프란시스코는 흔히 히피 문화로 대표되곤 하지만, 이 영화는 훨씬 더 편집실 중심의 세계를 그리고 있습니다. 사진들을 보면 약간의 히피 영향은 있지만, 전체적으로는 NASA 같은 느낌이에요. 안경을 쓴 사람들, 짧은 머리, 반팔 셔츠나 티셔츠, 혹은 셔츠와 넥타이를 착용한 사람들이죠.

 

우리는 1969년, 1970년 당시 이 세계가 어떤 모습이었고, 정보가 어떻게 전달되었는지를 최대한 사실적으로 담으려고 했습니다. 그런 면에서 로버트 다우니 주니어의 연기는 특히 효과적이었죠. 그의 툭 던지는 대사들은 정말 강렬합니다. 그래서 특정한 연기 톤을 의도하기보다는 “이건 신문 기자 같고, 이건 살인 사건 수사관 같다”는 느낌을 주는 것이 중요했습니다.

 

봉준호: 조디악 사건 당시 감독님은 꽤 어렸던 걸로 알고 있습니다. 그 시기에 대한 개인적인 기억이 있으신가요?

 

핀처: 물론이죠. 방금도 백스테이지에서 로버트와 이야기했는데, 당시 마린 카운티에서는 이 사건이 일종의 괴담 같은 존재였어요. 상황이 점점 과장되면서 공포가 커졌죠. 마린 헤드랜즈에서 발생한 칼부림 사건 같은 것도 있었고요… 어쨌든 기억합니다.

 

사실 영화 속 한 장면은 제 아버지와 나눴던 실제 대화를 바탕으로 한 겁니다. 제 아버지는 굉장히 직설적인 분이셨죠. 제가 아버지 사무실에 들어가 “이 사람이 조디악이라고 불린다던데, 아는 게 있어요?”라고 물었더니, 아버지는 “그래, 연쇄살인범인데 고성능 소총으로 스쿨버스 타이어를 쏴서 멈추게 한 다음, 아이들이 내릴 때 하나씩 쏘겠다고 협박한 놈이다”라고 말하셨어요. 저는 “그럼 차로 데려다주면 안 돼요? 집에서 글 쓰고 계시잖아요…”라고 했던 기억이 납니다. 어쨌든 그는 당시 우리에게 ‘부기맨’ 같은 존재였어요. 마이클 마이어스 이전에 우리가 두려워했던 존재였죠.

 

 

데이비드 핀처 현장에서의 ‘스무번 테이크’가 의미하는 것

“마크 러팔로가 이 이야기를 자주 하죠.”

 

봉준호: 저는 ‘옥자’에서 제이크 질렌할과, ‘미키 17’에서 마크 러팔로와 함께 작업했습니다. 두 배우 모두 ‘조디악’에 출연했죠. 저는 이 영화의 오랜 팬인데, 함께 작업하면서 식사할 때마다 이 작품 이야기를 했어요. 감독님이 얼마나 대단한지, 현장이 얼마나 놀라웠는지에 대해서요.

 

핀처: 감사합니다.

 

봉준호: 두 배우 중 누군지는 밝히지 않겠지만, 한 배우가 말하길 20번 넘게 테이크를 갔다고 하더군요. 그리고 20번째쯤에 감독님이 다가오자 “이제 뭔가 피드백을 주시겠지” 하고 기대했는데, 그냥 그 배우를 지나쳐 뒤에 있는 소품을 옮기고 다시 촬영했다고 하더라고요. 사실인가요?

 

핀처: 당연하죠. 알다시피 작업의 절반 이상은 관객의 시선을 방해하는 요소가 없도록 만드는 겁니다. 누군가 훌륭한 연기를 하고 있는데, 손이 마치 다른 사람 귀에서 튀어나온 것처럼 보인다면, “야, 45cm만 옮겨”라고 해야 하죠. 마크가 이 얘기를 자주 합니다.

 

봉준호: 미안해요, 마크. 그래서 감독님이 소품을 옮긴 뒤에 마크가 “제 연기는 어땠나요?”라고 물었고, 감독님은 “좋았어”라고 답하셨다죠?

 

핀처: 실제로 좋았거든요.

 

봉준호: ‘조디악’뿐만 아니라 감독님의 다른 작품들도 구도가 완벽하다고 느껴질 때가 많습니다. 더 나은 방법이 없을 것처럼 보일 정도로요. 촬영 전에 스토리보드를 그리는 편인가요, 아니면 현장에서 촬영감독과 함께 자연스럽게 만들어가나요?

 

핀처: 예전에는 그랬습니다. 하지만 저 자신을 위해서라기보다는 팀과의 공통된 이해를 위해서였죠. 예를 들어 “우리가 방의 이쪽에 있다”거나 “이 어깨 너머에서 찍는다”는 식의 기본적인 방향을 잡기 위해서요. ‘패닉 룸’ 때는 거의 모든 장면을 프리비주얼라이즈했는데, 구조적으로 복잡한 공간 때문에 어쩔 수 없었습니다. 벽을 움직여야 하는 상황도 있었고, 어떤 샷을 찍으려면 3시간이나 걸릴 수도 있었죠.

 

그런데 그 과정에서 배우들이 조금 위축되는 걸 느꼈습니다. “우리가 공간에서 어떻게 움직일지 스스로 만들어갈 수 없다”는 느낌이었던 것 같아요. 저는 그게 연기의 일부라는 걸 그때는 몰랐습니다. 제 의도는 “이 지점만 맞추면 그 안에서 자유롭게 해도 된다”는 것이었죠. 그게 좋은 출발점이라고 생각했습니다.

 

하지만 점점 답답하게 느껴졌고, 이후에는 와이어 작업처럼 위험한 장면을 제외하고는 프리비주얼라이즈를 많이 하지 않게 됐습니다. 솔직히 말하면 ‘하우스 오브 카드’와 ‘마인드헌터’를 하면서 다른 감독들의 작업을 지켜본 것도 컸어요. 칼 프랭클린이나 고 제이미 폴리 같은 감독들이 배우들을 이끌어내는 방식을 보면서 “이젠 굳이 그렇게까지 할 필요 없겠다. 즉흥적으로 해도 되겠다”는 생각이 들었습니다.

 

봉준호: 이 영화를 두 번째, 세 번째로 보는 관객들도 많을 거라고 생각합니다. 이 영화의 색감은 초반에는 노란색에서 시작해 후반으로 갈수록 파란색으로 변합니다. 전반부는 노란색, 후반부는 파란색이죠. 샌프란시스코 크로니클 사무실이나 의상 등에서도 그런 변화가 보입니다.

 

핀처: 음악 몽타주 이후에 “이제 1976년이다”라는 걸 보여줄 방법이 필요했습니다. 그래서 천재인 돈 버트가 “기둥들을 전부 칠해보는 게 어떻냐”고 제안했어요. 기본 색상으로 칠해서 몬트리올 올림픽 같은 느낌을 주자는 거였죠. 아마 한 장면, 두 샷 정도에만 나오지만, 시간이 훌쩍 흘렀다는 걸 보여주는 데 큰 도움이 됩니다. 아주 미묘한 장치죠. 조명 면에서는 대부분 2800~2900 켈빈 정도로 유지되며 영화 전반에 걸쳐 크게 변하지 않습니다. 하지만 크로니클 사무실 같은 경우는 확실히 변화가 느껴지죠.

 

봉준호: 영화의 모든 요소가 그렇겠지만, 감독님은 특히 색온도에도 굉장히 민감하실 것 같습니다.

 

핀처: 저는 모든 것에 민감하려고 노력합니다. 소품을 옮길 때 배우의 감정까지도요. 노력은 합니다.

 

 

 

 

 

핀처, 로버트 그레이스미스부터 ‘더 킬러’까지 집착에 대해 말하다

감독은 자신이 “반드시” 집착적인 캐릭터에 끌리는 것은 아니라고 밝혔다.

 

 

봉준호: 저는 단순히 색감뿐만 아니라, 그 색감과 연결된 감정에도 관심이 있습니다. 이 영화에서 제가 중요하게 생각하는 질문은 바로 시간, 그리고 시간의 흐름입니다. 인물들이 집착에 사로잡히면서 점점 무너져가는 과정이 시간의 흐름 속에서, 그리고 색을 통해 표현됩니다. 사건에서 손을 떼는 형사도 있고, 로버트 다우니 주니어의 캐릭터가 무너지는 모습도 보이죠. 영화 전반에서 시간의 깊이가 느껴지고, 그걸 이렇게 구현해낸 건 정말 어려운 일이라고 생각합니다. 그리고 마지막에는 제이크 질렌할의 캐릭터가 그 시간의 두께를 뚫고 나와 용의자가 누구인지 확신하게 됩니다. 그 과정이 시간의 흐름 속에서 드러나죠.

 

핀처: 그렇게 느껴졌다면 좋겠습니다. 특정 시대나 연도를 구분하는 데 있어서, 저는 그 시절의 공간들을 잘 알고 있었습니다. 사우살리토의 하우스보트가 어떤 모습이고 어떤 냄새인지, 안개가 끼었지만 여전히 햇빛이 남아 있는 풍경이 어떤지 알고 있었죠. 그래서 저에게 중요한 건 어떤 시대를 재현하는 것이기도 했지만, 동시에 사우살리토, 발레호, 베리사 같은 장소들이 실제로 어떤 느낌이었는지를 구체적으로 담아내는 것이었습니다. 어떤 이미지를 인위적으로 만들어내기보다는, 제가 알고 있는 감각을 그대로 전달하는 데 더 집중했습니다.

 

결말에 대해서 말하자면, 사람들이 자주 간과하는 부분이 하나 있습니다. 우리는 로버트 그레이스미스의 책을 원작으로 삼았고, 그걸 바탕으로 각색했습니다. 이 영화는 “이것이 결정적인 진실이다”라고 말하려는 작품이 아니었습니다. 한 사람이 자신의 집착에 대해 쓴 두 권의 책, 비록 그가 의도적으로 집착을 주제로 쓴 것은 아니었지만 그 집착이 자연스럽게 드러난 이야기였죠. 그것이 각본가 제이미 밴더빌트와 저를 끌어들인 지점이었습니다. 이 이야기 속을 따라갈 ‘아바타’ 같은 인물을 통해 관객이 함께 걸어가게 하는 것 말입니다. 사실 그는 이 사건과 직접적인 관련이 없는, 그저 관심을 가진 방관자에 불과합니다. 그런데도 그가 스스로 납득할 수 있는 결말을 찾기 위해 집착적으로 추적해 나가는 과정, 바로 그것이 우리가 그리고자 했던 핵심이었습니다.

 

 

 

봉준호: 이 영화에서는 만화가 로버트 그레이스미스가 매우 집착적인 성향을 가진 인물로 그려집니다. ‘더 킬러’에서 마이클 패스벤더가 연기한 캐릭터에서도 비슷한 면을 볼 수 있는데요. 이런 유형의 캐릭터에 끌리시는지 궁금합니다.

 

핀처: 꼭 그렇지는 않습니다. ‘더 킬러’는 기능적으로는 매우 뛰어나지만, 아마 스펙트럼 상에 있는 강박적인 성향(OCD)을 가진 인물이 등장합니다. 그는 일종의 긱 이코노미 속에서 일하며, 연쇄살인범과 종이 한 장 차이의 위치에서 자신의 행동을 합리화하면서 그 세계를 살아가는 인물이죠. 반면 로버트 그레이스미스의 집착은, 다시 말해 그저 관심 있는 방관자였던 사람이 점점 사건의 중심으로 파고들며, 원래 그 일을 해야 했던 사람들의 삶을 흔들어 놓는 이야기입니다. 결국 2시간 45분이 지나면, 주변 인물들이 “네가 하고 싶은 대로 해”라고 말하게 되고, 그는 그렇게 하게 되죠.

 

그래서 저는 이것을 특별히 ‘집착적인 캐릭터’라고 보지는 않습니다. 패스벤더가 연기한 인물은 단지 자신이 누군가의 표적이 아니라는 걸 확신하기 전까지는 편히 잠들 수 없는 사람입니다. 그래서 그걸 확인하려고 행동하는 것이죠.

 

 

 

데이비드 핀처, 클리프 부스 이야기에서 “아주 큰 놀라움”을 예고

브래드 피트가 쿠엔틴 타란티노의 ‘원스 어폰 어 타임 인 할리우드’에서 맡았던 역할로 돌아온다

 

봉준호: 조금 주제에서 벗어날 수도 있지만, 최근 작업에 대해 여쭤보고 싶습니다. ‘원스 어폰 어 타임 인 할리우드’는 속편인가요, 스핀오프인가요, 아니면 완전히 새로운 영화인가요?

 

핀처: 음, 캐릭터에 관한 이야기입니다.

 

봉준호: 브래드 피트요.

 

핀처: 네. 클리프가 6년, 7년 뒤에 어떻게 살고 있는지를 다룹니다.

 

봉준호: 아마 그 캐릭터가 완전히 새로운 방식으로 발전할 것 같아요. 우리는 모두 쿠엔틴 타란티노가 만든 브래드 피트의 캐릭터에 익숙하지만, 감독님은 아마 전혀 새로운 해석을 보여주시겠죠.

 

핀처: 흥미롭게도 저는 클리프 부스를 정말 좋아합니다. 그 영화에서의 모습도요. 말이 많지 않은 캐릭터인데, 이번 작품에서는 훨씬 다른 역할을 맡게 됩니다. 많은 일을 조율하는 인물이 되죠. 그리고 네, 아주 큰 놀라움들이 있을 거라고 생각합니다.

 

봉준호: 기대됩니다. 정말 빨리 보고 싶네요.

 

 

 

20년이 지난 지금, 핀처는 ‘조디악’이 “더 기괴했어야 했다”고 말한다

“나는 모든 걸 다르게 했을 것이다.”

 

봉준호: ‘조디악’으로 다시 돌아가 보죠. 이 실제 사건은 40년 전에 있었고, 그로부터 40년 후에 영화가 만들어졌습니다. 그리고 지금 또 20년이 지나 이 자리에서 이야기를 나누고 있습니다. 시간이 꽤 많이 흘렀네요. 촬영은 2006년이었나요?

 

핀처: 네, 그렇게 기억합니다. 정확히는 2005년 말쯤 시작했을 겁니다.

 

봉준호: 2026년인 지금 돌아봤을 때, 그 영화에 대한 생각은 어떤가요? 다시 돌아간다면 바꾸고 싶은 게 있으신가요?

 

핀처: 저요? 저는 모든 걸 다르게 했을 겁니다. 이런 말을 하긴 싫지만, 제가 영화가 뭔지 조금이라도 확신을 느끼는 순간은 공항으로 가는 차 안뿐입니다. 마지막 촬영을 끝내고 로스앤젤레스로 돌아가 편집을 시작할 때쯤 되면 “아, 이게 원래 이렇게 됐어야 했는데”라는 생각이 들죠. 그래서 영화는 계속 변하는 것 같습니다.

 

그리고 20년 동안 정말 많은 사람들을 만나게 됩니다. 그 과정에서 캐릭터가 진짜처럼 읽히고 빠르게 전달되기 위해 무엇이 필요한지에 대한 판단을 하게 되고, 결국 즉각적인 결정을 많이 내리게 됩니다. 압박도 크고요. 지금 보면 정말 만족스러운 부분도 많지만, “여기는 좀 더 숨을 쉬게 했어야 했을 수도 있고, 좀 더 이상하게 만들었어야 했을 수도 있다”는 생각이 드는 부분도 많습니다. 저는 거의 항상 “더 이상했어야 했다”는 쪽에 서 있습니다.

 

봉준호: 리들리 스콧 같은 감독도 ‘에일리언’ 재개봉 때 몇 장면을 삭제했다고 들었습니다. 그래서 궁금한데, 감독님은 추가하거나 삭제하고 싶은 장면이 있나요?

 

핀처: 없습니다. 솔직히 말하면, 영화는 그 시대의 산물이라고 생각합니다. 일종의 패션이죠. 원래 의도를 최대한 지키는 게 중요합니다. 예를 들어 ‘파이트 클럽’을 4K로 리마스터링할 때도, 8비트로 처리해서 3만 달러를 아낀 선택들이 있었는데 지금 보면 문제가 됩니다. 하지만 그런 것까지 포함해서 끝까지 유지하고 그대로 두는 게 맞다고 생각합니다. 영화는 그 시대의 기록이고, 그냥 거기서 끝내야 한다는 거죠. 다만 완전히 다시 만들 기회가 있다면, 아마 모든 선택을 다르게 했을 겁니다.

 

 

 

봉준호: 영화가 시작되자마자 첫 장면부터 구도와 촬영이 얼마나 아름다운지 알 수 있습니다. 저는 해리스 사비디스의 팬이기도 합니다. 그는 감독님과 여러 작품을 함께 했고, ‘엘리펀트’ 같은 영화도 촬영했죠. 이 이야기를 하지 않고 넘어갈 수는 없을 것 같습니다. 그에 대해 남기고 싶은 말이 있으신가요?

 

핀처: 해리스는 정말 천재였고, 제가 함께 작업할 수 있었던 사람 중 가장 재능 있는 인물 중 하나였습니다. 그는 진정한 거장이었어요. 그는 당신이 그날 촬영하고 있는 것의 본질과 명확함을 다시 보게 만드는 사람이었고, 이 작품에도 그 영향이 많이 들어가 있습니다. 해리스를 잘 모르는 사람이라면 “왜 이렇게 많은 커버리지를 찍지? 이거 다 쓸 시간도 없을 텐데”라고 생각했을 겁니다. 그런데 그 판단은 틀렸고, 우리는 실제로 그걸 다 썼습니다. 하지만 그는 정말로 사물을 다르게 보는 사람이었습니다.

 

다만 그는 작업 과정이 편하지는 않았습니다. 그는 디지털 카메라로 작업하는 것도 원하지 않았고, 카메라가 레코더에 연결된 상태로 촬영하는 것도 원하지 않았습니다. 하지만 저는 이 작업이 그의 다른 작품들—‘버스’, ‘엘리펀트’—과 함께, 그의 가장 놀라운 작업들 중 하나라고 생각합니다. 그리고 그는 거의 양손이 묶인 상태에서도 그걸 해냈습니다.

 

봉준호: 감독으로서 한 가지 팁을 여쭤보고 싶습니다. ‘조디악’은 긴 시간의 흐름을 견디면서도 결국 클래식이 된 영화라고 생각합니다.

그 부분에 대한 조언을 듣고 싶습니다.

 

핀처: 글쎄요, 이렇게 당신의 큐레이션과 이 공개 대화에 포함된 것만으로도 정말 기쁩니다. 더할 나위 없이 감사드립니다.

 

 

 

영상

 

 

https://youtu.be/M-tULyGhpaQ?si=Id42UWwoLKEGvVLC

 

https://collider.com/zodiac-movie-meaning-david-fincher-explains-bong-joon-ho-interview/?utm_campaign=TrueAnthem-C&utm_medium=Social-Distribution&utm_source=Twitter

 

 

* 제가 해외기사 포스팅을 조금씩 옮기게 된지 대략 14년정도 됐는데요.   우리나라 감독이 헐리우드 유명 감독과 그냥 사진 찍는 정도가 아니고 이정도의 심도깊은 대담인터뷰를 하는 기사를 옮기게 될 날이 올줄은 예전에는 몰랐네요.  정말 우리 문화의 위상이 나날이 높아가는 걸 실감하는 순간입니다. 두 감독의 신작들이 모두 잘 되기를 기원합니다.